ART SPACE KC
Blue Head, Ceramic, 2017

Jeongbeom Kim, a ceramic artist: The way to rule and overcome the time

Dong-Yeon Koh (Art Historian)

Discerning crafts and fine arts is rather important issue than we think. In the beginning of 20th century, European society started to move forward from feudal social system of the past, and the contemporary art also had to join such social atmosphere at the time. Thus, an attempt of separating fine arts from crafts and empowering the superiority to fine arts has more meaning than just to position its place in art history or art discourses. In arts, it is a way to realize the notion of contemporary time that desires to move forward through breaking with tradition in the past. Of course, such obsession became an age-old relic. Yet it doesn’t mean that it’s easy for fine artists to embrace the tradition derived form the past in their art works. To do so, many things such as knowledge, love and passion for art history along with highly trained technical skills are required. In that, potteries, tableaux, and installation works of Jeongbeom Kim, the artist have a reason to receive attention because Kim’s works use, in one hand, images depicted from the master pieces in Western art history along with the consistent use of traditional Qingbai(靑白) ceramic technic, and in the other hands, implement social issues and temporality as a main theme.

Such practice not only indicates the feature of Kim’s work, which is shown in the process of mixing various different categorizations such as crafts versus paintings, three dimensions versus two dimensions, and ceramic works versus installation works, but also, and above all, becomes a proof that implies the attitude of the artist toward the notion of time in contemporary context. While sticking to the oldest form of art, ceramic, in the history of mankind, he desires to show his journey by realizing expressive paintings on ceramics, creating illusions of fathomless tunnel with lightening bulbs, and conceiving the process of rearranging the parts at the backside of clock in order to depart from the singular temporality limited to past, present and future.

Appropriation of Qingbai(靑白) ware in contemporary context: Ceramic

In the process of handling ceramics as a medium of the artwork, Jeongbeom Kim faithfully follows the traditional way. But the attitude of the artist toward traditional way doesn’t only stay on technical side. Take his favorite color, blue, for an example. Heavenly color derived from the mural painting of Giotto, who is a master in the early Renaissance, is famous for evoking the most pious and calm emotional reaction from beholders. Chinese ceramics spread throughout European aristocrats in 17th century also consisted of white and cobalt-blue series of colors. Dutch merchants established East India Company to tonify Chiense Qingbai(靑白) ware in Europe and it gave them huge fortune. Ever since, such blue became a symbol of noble and exotic Chinese ceramic to Europeans.

Meanwhile, Unpredicted elements appear on plates, paintings and tiles made of ceramic. <Skull>(2018), tiled up on sizable canvas, shows brushstrokes in colossal cruciform beneath the tiles attached in the center of canvas. Impulsive brushstrokes in cobalt blue and gold, which is symbols of noble and precious color, also appear on the blank space of ceramics. Such strokes are the artist’s ontological proof in the artwork. The thickness and direction of brushstrokes reflect rather personal and momentary status of the artist than the skills that is traditionally acquired and passed down. The more impulsive and irregular the strokes become, the more distinctive the artist’s character reveals. Besides, the motives painted on the ceramics in blue includes something unusual clutters such as gun, machineries or all sorts of small things that people face and use in their mundane life.

Hence, Jeongbeom Kim’s work, from a distance, reminds of traditional pottery or Chiense Qingbai(靑白) ware embodying a little of European motive, but from up close, uncanny elements such as human figures, likely depicted from aristocrats in the masterpieces of art history, with mundane objects of contemporary people, are mixed up like a picture puzzle. In that, his ceramic embedded Kim’s expressive and creative elements in such craft-like outward form.

Encounter an abyss in the time of Innocence:

Speaking of the coexistence of ill-matched elements in Kim’s work, the latest work, <Innocent> becomes more dramatic. Since 1990s, Kim has been using head-shaped figures. Recently, such figures somehow merge with the tragic images often seen from the foreign presses and remind people of children or refugees left in horrible disasters. In fact, as a part of story painted on the tile, there is an image of a child sitting alone right in front of a huge mushroom cloud, which implies a massive explosion. The ratio of forehead in entire face, short nose, and round chin denote the typical type of child’s head shape. However, such small head shape happens to retain peculiar charisma by encountering Kim’s solemn materials.

Especially the head shape, which would be the centerpiece of this exhibition, is made of rusty thick wire. Of course, without fail, contemporary materials are used along with old ones. Child’s head shape is inferred from the rusty wire, which implies the time course. On the contrary, the lower part of entire head shape holds metal wheels resembling those on a toy. In the center of inner side of head shape, a reflective mirror is positioned. The light emitted from a bulb at lower side is reflected on the mirror, and the surface of the mirror creates a deep illusion. Lines of the bulb light radiate on the mirror (or more likely down in the mirror) and the tunnel, probably seen in Si-Fi movie, appears in the mirror. On the mirror, a fossil like sculpture lays.

Thus, the bottomless abyss spreads out inside the child’s head shape, titled <Innocent>. Unfamiliarly laid bulbs play a role as ‘Time Machine’ along with the wheels at the lower part. The mirror that creates the illusion of depth and the fossil-like sculpture placed on the mirror become a strange combination, too. It can be seen as where two images of the time of highly advanced civilization and the ruins after the time cross. What makes this interesting is that all those time confusions exist inside the child’s head shape that supposedly ‘looks innocent’. The child stood at the starting point of life may already have travelled the time and become a being in the afterlife.

At a point where the past and the future connect

After all, to the artist, the past and the present are one. The past is consistently found in the present as well as the present countlessly borrows the language from the past. If the realistically painted images depicted from mundane objects or suggestive events signify ‘here, and us’, Kim realizes ‘here, and us’ in the style of Chiense Qingbai(靑白) ware. As if traditional artisans did, he perfectly realizes the details of the work, and it can be a subjugating process to tradition from the past. However, at the same time, the brushstrokes occasionally appeared in the work become a trace of Kim’s struggle to break away from the old tradition.

Lastly, the work <Blue Ocean>, which dissembles parts comprising a clock, and aims to realize not the exterior of the clock, but beyond the exterior of clock, may be the simplest work but deals with the time (or temporality) directly. The clock, as an objective tool to measure the time, loses its natural role by getting dissembled. In the meanwhile, human beings subjugated in the stream of time at least attempt to escape from such temporality by dissembling the clock. This, in the perspective of life attitude, denies the course of the time laid on collinear line of past, present and future, and tries to get away from emotional and psychological detention unknowingly forced to us by the time. In other words, it means to discard the linear thought that certain behavior in the past simply will be connected to present and future.

As a potter and artist who has been practicing for almost four decades, not only merging the styles and materials of past and present but also dealing with temporality as a theme is meaningful work in both personal and art historical perspectives. In Kim’s artistic journey, he doesn’t seem to make a goal-oriented move for certain level of achievement but rather seems to get away from the pressure based on goal-oriented attitude. In the fast flowing time, it’s not possible to over come the hidden fear in people. Just like the light consistently reflected on the mirror, hope and fear consistently coexist in the manner of present continuous. Moreover, contemporary people has been pushed and bound more and more by the time since the advanced technologies aid to over come the time and the space in order to work and communicate more efficiently. In that, we could fine the reason to stare at Jeongbeom Kim’s lightening bulbs in the dark abyss of <Innocent>. How would we define ourselves in such temporality?

김정범 세라믹 아티스트: 시간을 다스리고 극복하는 법

고동연 (미술사가)

전통적인 공예와 순수예술의 분류는 생각보다 중요한 문제이다. 작가의 개인적인 표현적 자유를 보장할 수 있는 매체로서 캔버스, 혹은 프랑스의 타블로가 등장하게 되면서 서구미술에서는 20세기 초부터 지속적으로 공예, 그리고 장식적인 것, 전통적인 예술적 테크닉들이 극복해야 되는 대상 정도가 아니라 심지어 ‘범죄’로 여겨지기 시작하였다. 그러한 배경에는 산업사회를 거치면서 생겨난 시간성에 대한 개념이 한몫하였다. 유럽의 현대사회가 과거의 봉건적인 삶의 형태를 버리고 나아가는데 현대미술도 그러한 흐름에 합류해야만했다. 따라서 공예로부터 순수예술을 분류하고 우위에 놓으려는 시도는 단순히 미술사나 미술이론에서의 의미 이상을 가진다. 그것은 미술에서 과거 전통으로의 결별을 통하여 앞으로 나아가려는 현대적인 시간 개념을 구현하는 한 방식이었다.

물론 이러한 집착은 이제 구시대의 유물이 되었다. 그렇다고 해서 순수 예술가들이 과거의 전통을 자신의 작업에 포용하기는 쉽지 않다. 이를 위해서는 많은 기술적 숙련도와 미술사에 대한 지식, 사랑, 열정이 필요하기 때문이다. 이에 김정범의 세라믹 도기, 타블로, 설치 작업에 주목하고자 한다. 작가가 서구 회화사에서 나오는 명화의 이미지들과 무엇보다도 전통적인 청백자의 기술을 끊임없이 사용하면서도 시사적인 이슈, 그리고 무엇보다도 시간의 테마를 도입하고 있기 때문이다. 이것은 공예 vs. 회화, 3차원 vs. 2차원, 도기 vs.설치의 다양한 분류들을 혼용하는 김정범의 작업 특징을 보여주는 것이기도 하지만 무엇보다도 작가가 현대적인 시간 개념에 대하여 어떠한 태도를 지니고 있는지를 보여주는 증거이다. 즉 전통적인 세라믹 수법을 사용해서 표현적인 회화를 구현하거나 전구의 불들로 깊이를 알 수 없는 터널의 착시효과를 만들어 내고 시계판 후면의 부품을 재구성해서 배치하는 과정은 작가가 과거, 현재, 미래의 단선적인 시간관으로 벗어나기 위한 여정을 보여준다. ‘세라믹’이라는 인류 역사상에서 가장 오래된 예술 수법과 전통을 고수하면서도 SF 같은 풍경을 만들어내는 김정범의 혼용미학이 단순히 공예와 순수예술의 분류를 넘어서서 시간과 연관된 철학적 의미를 지니게 되는 것도 바로 이 때문이다.

청백자의 현대적인 전용: 세라믹 도기
김정범은 세라믹 재료로 작업을 만드는 과정에서 전통적인 기법을 충실히 따른다. 물론 세라믹의 속성상 빚고 굽고 유약을 바르는 모든 과정이 수없이 반복되기에 축적된 기술은 매우 중요하다. 특히 작업의 완결성을 위해서 더욱 그러하다. 하지만 전통을 고수하는 작가의 태도는 기술적인 과정에만 있지 않다. 그가 즐겨 사용하는 푸른색을 예로 들어보자. 초기 르네상스의 거장인 지오토(Giotto)의 벽화에서 유래한 천상의 색상, 20세기 프랑스 모노크롬 화가 이브 클랭의 YKB(Yves Klein Blue)를 연상시키는 코발트블루는 보는 이로 하여금 가장 경건하고 차분한 정서적 반응을 자아내는 것으로 유명하다. 17세기부터 유럽 귀족층으로 확대된 중국 청백자 또한 흰색과 코발트블루 계열의 색상으로 이루어져 있다. 더치 상인들은 동인도 회사를 차리고 중국의 청백자를 유럽 각지에 유행시키면서 엄청난 부를 축적하였다. 여기서 푸른색은 고귀하고 이국적인 중국 도자기의 한 전형을 유럽인들에게 인식시키는데 큰 역할을 해 왔다. 김정범은 프랑스 유학시절 중국 청백자의 아름다움을 발견하였다고 한다. 김정범의 도자기에서 코발트블루가 지닌 중후함이 예사롭게 않게 여겨지는 것도 동서양의 회화사나 도자사에서 코발트 블루가 지닌 역사적, 미학적, 심지어 경제적 무게감 때문일 것이다.

반면에 세라믹으로 만들어진 접시, 회화, 타일에서 전혀 예상치 못한 요소들이 등장한다. 100호 캔버스 위에 타일을 올린 <해골>(2018)에서 중앙에 붙여진 타일 뒤로 거대한 십자가 대열의 붓자국이 나 있다. 또한 도자기의 여백에도 코발트블루와 고귀하고 값비싼 색상의 대명사인 금색의 즉흥적인 붓질이 등장한다. 여기서 붓질은 작가가 여기 존재하고 있음을 보여주는 징표이다. 붓질의 굵기와 방향성은 전통적으로 습득되어져온 기술보다는 작가의 개인적이고 순간적인 상태를 반영한다. 보다 즉흥적이고 불규칙할수록 작가의 개성이 두드러진다. 아울러 푸른색을 사용해서 그려 넣은 도자기의 모티브들 중에서 심상치 않은 것들도 발견된다. 예를 들어 총이나 각종 작은 도구, 기계와 같은 ‘잡동사니’들은 영락없이 현대인들이 일상생활에서 접하고 사용하는 것들이다. 고전적인 색상을 사용하고 패턴을 도입한 도자기의 귀퉁이에는 전통과는 무관해 보이는 일상적인 물품들이 즐비하다.

이쯤 되면 김정범의 작업은 멀리서 볼 때는 전통 도기나 유럽의 모티브가 간간히 들어가 있는 중국 청백자를 연상시키지만 가까이에서 보게 되면 이질적인 요소들이 섞여 있다. 명화에 등장하는 거창한 귀족 복장을 한 인물들과 현대인들의 물건들이 숨은 그림처럼 혼용되어 있다. 때문에 그의 세라믹은 얼핏 여느 공예품처럼 보이면서도 작가의 표현적인 욕구를 퍼즐처럼 숨기고 있다.

순수의 시대에서 심연을 만나다: <Innocent>
이질적인 요인들이 공존한다는 측면에서만 보자면 최근 제작된 <Innocent>는 더욱 극적이다. 작가는 1990년대 초부터 두상을 사용하여 왔다. 최근에는 외신에서 흔히 접하는 장면들을 결합시켜서 재난 속 어린이들이나 난민의 참혹상을 연상시켜왔다. 실제로 타일 위에 그려진 장면에서 어린 아이가 밑에 덩그러니 혼자 앉아 있고 뒤쪽에는 거대한 폭발을 암시하는 버섯구름이 위치해 있다. 얼굴에서 이마가 차지하는 비중과 짧은 코, 둥그런 턱선은 전형적인 어린아이의 두상이다. 그런데 두상은 순수한 어린아이의 귀여운 모습보다는 인류의 미래를 꿰뚫어봄직한 현인을 연상시킨다. 중후한 김정범의 재료들과 만나면서 어린아이의 두상은 더욱 더 범상치 않은 카리스마를 갖고 있다.

특히 이번 전시의 센터 피스에 해당하는 두상은 녹이 슨 굵은 와이어로 만들어져 있다. 물론 여기서도 어김없이 오래된 재료와 현대적인 재료가 함께 사용된다. 어린아이의 두상은 시간적인 추이를 암시하는 녹슨 철사들로 암시되어 있는 것에 반하여 전체 두상의 하단부에는 장난감 바퀴와 같이 생긴 금속으로 된 바퀴가 달려 있다. 아울러 두상 내부 중앙에는 반사거울이 위치해 있다. 그리고 거울 위로 하단에 위치한 전구의 불빛이 반사되면서 거울 표면을 위에서 보게 되면 깊이의 환영이 만들어진다. 전구 빛의 열들이 거울 위로, 아니 아래로 뻗으면서 SF 영화에 나오는 통로가 생겨난다. 또한 유리 거울 위에는 화석을 연상시키는 조형물이 놓여 있다.

따라서 ‘순수하다’라는 타이틀이 부쳐진 어린아이의 두상 안쪽에는 깊이를 알 수 없는 심연이 펼쳐진다. 생경하게 달려 있는 전구의 열이 하단의 바퀴와 함께 ‘타임머신’의 역할을 하는 샘이다. 깊이의 환영을 만들어내는 유리거울과 위에 놓인 화석 또한 묘한 조합이다. 문명이 고도로 발전된 시점과 그 이후 폐허의 이미지가 교차된다고도 볼 수 있다. 두상이 선보이고 있는 시간성은 더 이상 여기, 지금이 아니다. 철저한 미래일수도 과거일수도 있으며 아니 먼 미래 그 이후일 수도 있다. 흥미로운 점은 그 모든 시간적인 혼동이 ‘순수해 보이는’ 어린 아이의 두상 속에 위치하고 있다는 점이다. 그러므로 삶의 출발점에 위치한 어린아이는 이미 시간을 돌고 돌아 어른 그 이후의 존재가 된다고 볼 수 있다. 게다가 두상 밑에 달린, 고정된 자리에서 맴도는 바퀴는 돌고 도는 시간의 원형성을 상징한다.

과거와 미래가 연결된 지점에서
결국 작가에게 과거와 현재는 하나다. 과거는 끝없이 현재 속에서 발견되고 마찬가지로 현재는 과거의 언어를 끝없이 빌려온다. 시사적인 사건을 사실적으로 그린 장면들이나 물건의 이미지가 ‘여기, 우리’를 상징한다면 이를 작가는 중국 청백자의 양식 속에서 구현한다. 정교하게 유약을 바를 뿐 아니라 각 옆의 면에도 문양을 넣는다. 역사 속 장인들처럼 작업의 세부적인 부분을 완벽하게 구현해낸다. 과거의 전통에 예속시킨다고 할 수 있다. 동시에 간간히 들어가는 붓자국은 오래된 전통으로부터 벗어나기 위한 몸부림에 가깝다. 마찬가지로 중의적인 의미에서의 <Innocent>에서 두상의 중앙에 비친 전구의 열들은 사뭇 미래시대를 열고 있는 듯하다. 하지만 그 깊이를 알 수 없는 심연은 보는 이로 하여금 끝을 알 수 없는 어두움에 대한 두려움을 불러일으킨다. 아울러 한자리를 맴도는 바퀴는 한편으로는 물리적인 시간성을 극복하려는 작가의 의지를, 다른 한편으로는 자신에게 주어진 시, 공간을 극복할 수 없는 암울한 인간의 처지를 우회적으로 암시한다.

마지막으로 시계 내부의 부품을 해체해서 시계의 겉면이 아닌, 겉면 너머의 모습을 구현한 <Blue Ocean>은 가장 단순하지만 직접적으로 시간을 다룬다. 시계라는 시간을 측정하는 객관적인 기재를 해체함으로써 시계는 더 이상 역할을 할 수 없게 되었다. 대신 흐르는 시간에 종속된 인간은 적어도 시계를 해체함으로써 그 시간성으로부터 탈출하려는 시도를 하게 된다. 이것은 삶의 태도에서 보자면 과거, 현재, 미래의 일직선상에 놓인 시간적인 추이를 부정하는 것이며 암암리에 시간이 우리에게 강요해온 정서적이고 심리적인 구속으로부터도 벗어나려는 것이다. 즉 특정한 과거의 행동이 현재, 미래로 이어진다는 단선적인 사고를 버리는 것을 의미한다.

이러한 측면에서 보자면 도예/예술가로서 40년 가까운 작업을 해온 작가가 개인적으로나 미술사적으로 과거와 현재의 소재나 양식을 결합할 뿐 아니라 시간이라는 테마 자체를 다룬다는 것은 의미심장하다. 그것은 작가의 여정을 특정한 경지에 다다르기 위한 목적지향적인 행보가 아니라 결국은 그러한 중압감으로부터 벗어나기 위한 시도라는 점을 연상시키기 때문이다. 순수한 두상 너머에 위치한 깊이를 알 수 없는 심연과 같이 시간의 흐름 속에서 우리는 내면에 위치한 두려움을 극복해가지 못한다. 유리거울에 지속적으로 반사되는 빛처럼 희망과 두려움은 지속적으로 공존하며 현재진행형이다. 게다가 시, 공간을 극복해서 일하고 소통할 수 있는 수많은 기재를 갖게 된 현대인들은 더 더욱 시간에 쫒기고 시간에 얽매인다. 우리가 김정범의 <Innocent> 속 어두운 심연 속 전구의 빛을 들여다보아야 하는 이유가 거기에 있다. 우리는 시간 속에서 어떠한 존재인가?